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Últimos días para visitar la exposición de arte efímero de La Casa Encendida
Tras la inauguración de ³on&on² el pasado 19 de noviembre han pasado más de 95.000 visitantes. Ahora sólo quedan dos semanas para que los que todavía no han podido acercarse vengan a descubrirla y los que ya lo hicieron en sus inicios vuelvan para observar la transformación de alguna de las obras
- ³on&on², comisariada por Flora Fairbairn y Olivier Varenne, aborda el tema de la naturaleza efímera del arte y cuenta con la participación de un grupo internacional de trece artistas
- Una habitación bañada de chocolate, pájaros emitiendo sonidos a través de cinco guitarras y tres bajos, fresas descomponiéndose, flores químicas invadiendo una mesa de oficina, una habitación en la que la luz se enciende y se apaga, interpretaciones improvisadas al piano o materia alterada por microorganismos son algunas de las piezas de la muestra
La exposición, comisariada por Flora Fairbairn y Olivier Varenne, pretende agitar la memoria personal de los visitantes y hacer palpable la decadencia inevitable de la naturaleza que con el paso del tiempo se va transformando. No se trata de piezas que persiguen fijar una imagen para la posteridad, sino que pretenden abrir los ojos a la magia del instante, a la poesía del presente, con los cambios y transformaciones que conlleva. Cada vez que el visitante se acerque a ver la exposición verá una muestra diferente, nunca será la misma. Lo único que realmente perdura es el cambio, el proceso, la propia transformación.
La forma de conseguir esta evolución de la instalación es utilizando materiales perecederos como chocolate, fruta, seres vivos, hielo o cera; y realizando actos fugaces en las performances que se representan dentro de la muestra.
Las obras de ³on&on² pretenden jugar con los sentidos del espectador para que, de alguna manera, evoquen recuerdos y sensaciones pasadas y lo inviten a participar en la muestra. Una habitación bañada de chocolate o velas encendidas derritiéndose mientras dibujan grandes círculos en el suelo (Anya Gallaccio); pájaros emitiendo sonidos a través de cinco guitarras y tres bajos (Céleste Boursier Mougenot); frutas rojas descomponiéndose sobre un pájaro disecado (Claire Morgan); una habitación en la que la luz se enciende y se apaga (obra Martin Creed, ganadora del Premio Turner); flores químicas invadiendo una mesa de oficina (Steiner/Lenzlinger); el derretimiento de un bloque de hielo gigante teñido (Kitty Graus); la verbalización continua de This is propaganda (Tino Sehgal); la grabación de la explosión de un cohete casero (Roman Signer); interpretaciones improvisadas al piano (Gregorio Zanon); una video-instalación que muestra cómo la huella de un cuerpo sobre el pavimento se desvanece bajo la lluvia (Andy Goldsworthy); materia alterada por microorganismos (Michael Blazy); la experiencia de un viaje en barca (Eloise Fornielles) y la huella que queda en nuestro recuerdo cuando la obra de arte ha desaparecido (Chiharu Shiota) conforman la muestra ³on&on².
Continuando con la exposición y citando a Rachel Campbell Johnston crítica de arte en The Times y colaboradora con un texto en el catálogo-: ³on&on es una exposición que apela a esta era digital en la que, con demasiada frecuencia, se trata la experiencia como si fuera eterna, como si su conocimiento pudiese registrarse para siempre en dígitos binarios, tan invisibles e inextinguibles como el Dios en el que el mundo moderno ha venido dejando de creer cada vez más. Ésta reafirma la importancia de la experiencia estética. Lo que guardamos en nuestras mentes ‹nuestros recuerdos, nuestras emociones, nuestras percepciones sobre nuestro propio sentido de la historia, nuestras ideas sobre aquello que podríamos llegar a ser, las esperanzas y las posibilidades que podríamos hacer realidad‹ se convierte en un valioso tesoro que conservar. La experiencia de transformación continua que puede ofrece el arte es valiosísima. Trata de lo que es esencialmente humano; de lo que es completamente único.²
Sobre los artistas:
Los artistas que participan en la exposición son de origen y generaciones diferentes, algunos consagrados y otros con carreras medias, pero todos ellos comparten una reconocida presencia internacional y, en su mayoría, presentando obra por primera vez en España. La mayor parte de sus obras, serán realizadas específicamente para La Casa Encendida y ocupan las cinco salas del Centro.
Andy Goldsworthy (Cheshire, Inglaterra, 1956)
http://www.galerielelong.com/artists/
Andy Golsdswothy entiende el crecimiento y la decadencia de sus obras como los propios ciclos de la naturaleza. Para esta exposición, el escultor, fotógrafo y ambientalista presenta una vídeo-instalación en la que se ve cómo la huella dejada sobre el pavimento por un cuerpo bajo la lluvia se va desintegrando. La silueta que deja se desvanece en el momento en que el agua se evapora de la piedra circundante. El arte es efímero como la vida, sugiere Goldsworthy.
Anya Gallaccio (Paisley, Escocia, 1963)
http://www.lehmannmaupin.com/#/artists/anya-gallaccio/
Presenta dos instalaciones. La primera de ellas, stroke, es una habitación de chocolate lo que difiere de la experiencia del espacio real. A Gallaccio le interesa el salto entre la fantasía y la realidad, y el modo en que el olfato activa la memoria y las expectativas. Pretende crear una obra en la que la parte olfativa sea más satisfactoria que la visual, subvirtiendo la idea preconcebida sobre una experiencia escultórica. La segunda, aspire [aspirar] procede de una serie de obras en las que trabaja con velas: estas se funden colocadas sobre círculos metálicos colgados del techo y pasan de la forma al material para convertirse por fin en una superficie; la cera se derrama, desborda el soporte y gotea sobre el suelo. La cera se acumula sin descanso y elimina la necesidad de perfeccionar o borrar para afinar el significado o mejorar la composición, en un ciclo eterno de crecimiento y deterioro.
Céleste Boursier Mougenot (Niza, Francia, 1961)
http://www.xippas.com/en/artist/celeste_boursier-mougenot
Céleste Boursier-Mougenot realiza una pieza en la que intervienen una colonia de pájaros (diamante mandarín) que se posan en los trastes de 5 guitarras y 3 bajos para alimentarse de alpiste y beben de los platillos de batería colocados por la sala. La imagen se traduce en sonido y el ser vivo en ruido abstracto.
Chiharu Shiota (Osaka, Japón, 1972)
http://www.chiharu-shiota.com/
Cuando la obra de arte ha desaparecido, lo único que queda es la huella que permanece en nuestra mente. El piano de Chiharu Shiota se alza silencioso en el centro de un semicírculo de sillas vacías; al encontrarse privado de finalidad musical, su significado se escapa dejando únicamente una telaraña de recuerdos. Shiota lo pone de manifiesto a través de la red de hilos oscuros que urde. Sin embargo, estos recuerdos tienen una elocuencia comparable a la de la interpretación original. Se convierten en obras de arte por derecho propio, que despiertan sentimientos tan poderosos, tan vívidos y tan evocadores como la obra original que los suscitó.
Claire Morgan (Belfast, Irlanda del Norte, 1980)
http://www.claire-morgan.co.uk <http://www.claire-morgan.co.uk/>
Ningún estado se puede fijar. La vida y la muerte forman parte del mismo círculo. La artista irlandesa Claire Morgan lo deja claro en una escultura que combina la vivísima madurez de un conjunto de frutas rojas con la negritud de un pájaro derribado
{0>Creation is a process not an end product concurs Eloise Fornieles as she invites visitors to scramble up into a gently swinging boat which, suspended between earth and sky, rocks back and forth to the resonant sound of the wind:<}0{>Eloise Fornieles (Winchester, Inglaterra, 1980)
http://www.eloisefornieles.com <http://www.eloisefornieles.com/>
Eloise Fornieles entiende la creación como un proceso, no como un producto. La performace que presenta hasta el domingo 21 de noviembre es una invitación íntima a participar del viaje de forma metafórica, en una barca suspendida entre el cielo y la tierra que se mece suavemente en el Patio de La Casa Encendida. El movimiento, bajo el sonido resonante del viento, es una metáfora {0>a metaphor for life's endless flux.<}0{>del flujo incesante de la vida. El viaje es más importante que el destino; la experiencia presente más significativa que la promesa de posteridad. <0}
Gerda Steiner y Jörg Lenzlinger (Honolulu, EE.UU. , 1967, y Katmandú, Nepal, 1964)
http://www.steinerlenzlinger.ch/
Crean una sala de conferencias provista de todos los aparatos propios de una oficina, sobre los que avanza y se extiende una colonia de cristales que crece lentamente; flores químicas punzantes toman este panorama moderno y lo transforman, como si se tratase de plantas del bosque colonizando un templo abandonado.
Gregorio Zanon (Ginebra, Suiza, 1980)
http://www.myspace.com/gregoriozanon
No es casual que varias de las instalaciones de esta exposición aludan a la música, la más intangible de las formas artísticas. Una partitura musical es un conjunto cambiable de instrucciones, explica Gregorio Zanon, cuyas interpretaciones improvisadas al piano rinden homenaje a las posibilidades siempre cambiantes de un arte infinitamente variable.
Kitty Kraus (Heidelberg, Alemania, 1976)
http://www.galerieneu.net/artists/show/id/8
La destrucción se transforma en fuerza creativa. Kitty Kraus crea un gran bloque de hielo teñido con tinta que a medida que se funde crea algo nuevo. El elemento constructivo de la modernidad, la forma geométrica, se disuelve en formas oscuras que se derraman y crean formas en el suelo de la sala.
Martin Creed (Wakefield, Inglaterra, 1968)
http://www.martincreed.com/
Este artista multidisciplinar ganador del Premio Turner en 2001 con su pieza Work No. 227, the lights going on and off, reabrió el debate del valor intrínseco del arte moderno, y planteó la duda de que la obra de arte tenga que ser necesariamente concebida como un monumento sólido, sino que, en su opinión puede adquirir la forma de una intervención tan ligera que se vuelva inmaterial. La obra consiste en un ir y venir de las luces de una sala vacía con el objetivo de crear un efecto inesperado en el espectador. Cuando se presentó en la Tate Modern de Londres la idea cautivó a la mitad de los visitantes y horrorizó a la otra mitad. ¿Se trataba de un sistema eléctrico defectuoso o de una estética pionera? ¿De una clara tomadura de pelo o de un acto de agudeza subversiva? ¿Estaban siendo testigos de una revolución plástica o de una maniobra deliberada de oscurecimiento? Las opiniones oscilaban como las luces. No se llegó a un consenso. El arte se opone a la categorización. Sus etiquetas ya no se pueden fijar tan claramente.
Michael Blazy (Mónaco, 1966)
http://www.galerieartconcept.com/
La crypte es una instalación que representa la transformación última de la materia.
Los visitantes, los coleópteros, el moho y los microorganismos son las energías que alterarán la forma de la instalación hasta que los elementos que la constituyen hayan desaparecido. Paradójicamente, estas energías mortíferas construyen la vida de la obra que va a existir a través de su desaparición. Lo mismo ocurre en Tertre, un montículo sobre el que reposa una osamenta hecha de huevos y pan que a lo largo de la exposición irá desapareciendo, asimilada por los microorganismos contenidos en la tierra.
Roman Signer (Appenzell, Suiza, 1938)
http://www.romansigner.ch <http://www.romansigner.ch/>
El artista suizo Roman Signer utiliza la más estricta planificación y la ejecución controlada de un procedimiento casi científico para presentar una explosión o colisión de una fracción de segundo. El momento estético en toda su belleza y su grandeza es esencialmente vulnerable.
Tino Sehgal (Londres, 1976)
http://www.janmot.com/tino_sehgal/index.php
Presenta This is propaganda perteneciente a la serie de piezas This isŠ que comenzó a realizar en 2001 y que sigue ampliándose en la actualidad. La obra muestra que no se trata de concebir el museo como un recipiente donde coleccionar objetos inertes sino como un espacio de producción. Un lugar para la transformación de acciones y no para la contemplación. Que la ³eficacia² política de una obra no depende tanto de su contenido o de lo que dice (pura propaganda) como de la forma en que lo dice y sobre todo del modo en que se relaciona con el espectador y con el espacio circundante.
Sobre los comisarios:
Flora Fairbairn (Sussex, Inglaterra, 1972) colabora desde el año 2000 con artistas y arquitectos transformando espacios en desuso en salas de exposición temporal, lo que ha servido de plataforma para unos 500 artistas, escultores, pintores, músicos, fotógrafos, etc. Ha dirigido el festival Concrete and Glass, (2008-2010), de artes plásticas y escénicas, y ha comisariado, entre otras, la exposición colectiva Anticipation, 2007, para la London Art Schools. Forma parte del comité asesor de exposiciones de Serpentine Gallery y es consultora creativa para el proyecto en proceso sobre arte cubano Havana Club.
Olivier Varenne (Neuilly sur Seine, Francia, 1977) es comisario jefe del departamento de arte contemporáneo del Museum of Old and New Art (MONA), Hobart, Australia. Además, ha sido comisario adjunto de la Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú en 2009 y ha trabajado en los departmanetos de compras de galerías tales como Gagosian, Londres, y Pace Wildenstein, Nueva York.
Exposición ³on&on²
Fechas: hasta el 16 de Enero de 2011.
Horario: de 10 a 21.45 h.
Espacio: todas las salas de La Casa Encendida
Entrada libre
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